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À première vue, les trois tableaux de Carl Wilhelm de Hamilton (Bruxelles 1668–1754 Augsbourg) dans la vente aux enchères du 25 septembre (lots 3071 et 3074) semblent être de charmantes représentations de la vie trépidante d'un sol forestier : écureuils, serpents, escargots et lézards vont à la recherche de leur nourriture au milieu d'une profusion de plantes feuillues et de champignons. Mais un aspect de ces œuvres les rend étonnamment uniques : les papillons étaient à l'origine de véritables spécimens, collés sur la toile.

Dans ces peintures, de Hamilton a employé un genre connu sous le nom de «nature morte de la forêt», ou sottobosco, inventé au milieu du XVIIe siècle par le peintre néerlandais Otto Marseus van Schrieck (vers 1613–1678). Marseus vivait dans la banlieue d'Amsterdam, dans une zone marécageuse appelée «le pays des serpents». Il passait une grande partie de son temps à observer et à capturer des spécimens de reptiles, d'insectes et d'amphibiens – à tel point que sa femme prétendait que les serpents commençaient à poser pour lui !

Il semble que Marseus s'intéressait autant aux aspects scientifiques et naturels de cette population de base qu'à leur potentiel en tant que sujets artistiques. Il vivait à une époque où les théories scientifiques étaient débattues et discutées dans toute la société instruite, comme la croyance répandue en la génération spontanée, selon laquelle certains animaux et plantes, en particulier les «êtres inférieurs» comme les serpents, les crapauds et les champignons, pouvaient naître de matières non vivantes – comme les asticots générés par la chair en décomposition.

Le peintre et scientifique amateur a effectivement franchi la frontière entre la science et l'art lorsqu'il a collé les écailles des ailes de véritables papillons sur sa toile. La technique consistait à faire une réserve en forme d'aile en utilisant comme imprimatura un adhésif blanc, probablement à base de plomb. Les ailes étaient ensuite pressées sur cette réserve, ce qui faisait adhérer les écailles à la toile, le fond blanc rehaussant les couleurs chatoyantes. L'effet devait être enchanteur. Aujourd'hui, en raison de la décoloration des écailles des papillons, les ailes semblent blanches, à moins qu'elles n'aient été surpeintes.

Marseus avait de nombreux adeptes, et Carl Wilhelm de Hamilton fut l'un des plus influents dans la diffusion du genre sottobosco, puisqu'il émigra de Belgique en Allemagne, où il travailla comme peintre de cour dans plusieurs villes. L'examen microscopique des œuvres ci-présentes du chercheur V.E. Mandrij a révélé les restes des écailles de papillon originales que Hamilton a appliquées, ainsi que quelques glacis colorés que l'artiste a ajoutés, probablement pour compléter les zones où des écailles manquaient. Hamilton a également imité la technique de Marseus qui consiste à utiliser de véritables lichens et mousses au lieu d'un pinceau pour représenter cette végétation.

Un aspect intéressant du travail de Marseus et de Hamilton est que, malgré les possibilités symboliques évidentes qu'offrent de telles compositions (le mot grec pour papillon, psyché, signifie également « âme », de sorte qu'un serpent ou un crapaud qui attrape un papillon évoque une myriade de possibilités moralisatrices), les artistes semblaient plus intéressés par la représentation d'animaux et de plantes réels, dépourvus de toute signification cachée, pour le plaisir de recréer – ou plutôt de créer – un moment intime sur le sol de la forêt.

Le travail de Marseus et de ses suiveurs a ensuite été presque complètement oublié, et ce n'est qu'en 1991, avec l'installation "In and Out of Love" de Damien Hirst, que les vrais papillons ont fait leur réapparition dans le monde de l'art.

Le portrait de John Lewis Fleming (1779–1836) qui sera présenté aux enchères le 25 septembre (lot 3083) est non seulement intéressant pour son attribution à Sir Thomas Lawrence, l'un des plus grands portraitistes britanniques, mais aussi pour l'association de Fleming avec l'une des femmes les plus célèbres de la fin du XVIIIe siècle en Angleterre : son épouse, Seymour Dorothy Fleming (1757–1818).

Seymour Fleming, héritière têtue d'une petite fortune, a épousé Sir Richard Worsley à l'âge de dix-sept ans. Worsley était issu d'une vieille famille aristocratique et avait besoin d'une plus grande fortune pour améliorer sa position dans la société londonienne. Ils eurent un fils ensemble, Robert Edwin, mais Lady Worsley se sentit bientôt négligée et agitée, et se lança dans une série d'affaires, dont une avec un voisin et ami proche de Sir Richard, le capitaine George Maurice Bissett. La relation avec Bissett devint rapidement sérieuse (en août 1781, Lady Worsley donne naissance à une fille qui serait celle de Bissett), et en novembre 1781, Seymour s'enfuit avec son amant. C'était un acte audacieux pour l'époque – la plupart des dames de son rang auraient simplement poursuivi l'affaire pendant que leurs maris fermaient les yeux, comme apparemment Worsley l'avait fait jusqu'alors – mais elle espérait probablement qu'un geste aussi intrépide persuaderait son mari de lui accorder le divorce.

L'effet fut tout à fait contraire – furieux de la trahison publique d'un ami, Worsley poursuivit Bissett pour ce qu'on appelait la Conversation criminelle, une action civile en dommages et intérêts en compensation de la séduction de sa femme. Il a également refusé d'accorder le divorce à Seymour et a exigé la somme sans précédent de £ 20 000, qui aurait ruiné Bissett. Worsley semblait avoir un dossier solide, avec lettres et témoins à l’appui, mais Seymour n'était pas du genre à concéder la défaite aussi facilement. Elle adopte la défense, quelque peu téméraire, de la révélation de détails intimes de la vie privée du couple pendant le procès, avec des témoins relatant des épisodes du voyeurisme de Sir Richard et l'encouragement des infidélités de sa femme. Elle a réussi : au lieu de £ 20 000, le jury a accordé à Worsley la somme humiliante d'un shilling, et il est devenu la risée de toute l'Angleterre, l'obligeant à fuir les harcèlements de la presse populaire par un voyage prolongé au Moyen-Orient.

Mais Seymour est également devenu un paria social. Personne, dans la société britannique polie de l'époque, ne pouvait s'associer à quelqu'un qui avait si ouvertement rendu publics ses actes scandaleux, et elle se retrouva évincée par bon nombre de ses anciens amis et de sa famille. Une fois de plus, Seymour refusa de s'incliner devant son sort et, avec d'autres femmes dans une situation similaire, elle devint membre du demi-monde qui se réunissait socialement sous le nom de "New Female Coterie". Bissett finit par la quitter, car il n'y avait aucune possibilité de mariage – Worsley ne signa même pas d'accord de séparation avant six ans après le procès, avec la clause que Seymour quitte l'Angleterre pendant quatre ans. Elle s'installe à Paris, où les femmes de sa réputation sont mieux acceptées socialement, mais un an après son arrivée, la Révolution éclate. Emportée par le règne de la terreur, Seymour a probablement passé un certain temps dans une prison française avant de rentrer finalement en Angleterre en 1797, très malade et dans une situation financière précaire.

À cette époque, Seymour rencontre et tombe amoureux de John Louis Hummell (né Cuchet), un musicien genevois qui a été une sorte d’enfant prodige, se produisant même pour le roi George III et la reine Charlotte à l'âge de neuf ans. Leur différence d'âge était considérable, mais il semble qu'il y ait eu une réelle affection entre eux. Lorsque Worsley meurt en 1805 et que Seymour entre enfin en possession de ses biens, ils se marient et Hummell change son nom en John Lewis Fleming ; Seymour reprend également son nom de jeune fille. Le présent portrait a très probablement été commandé par Seymour au portraitiste le plus en vogue de l'époque, comme une sorte de publicité pour l'arrivée de son nouveau mari dans la société (le musicien, bien qu'à l'aise dans les milieux sociaux de la classe supérieure, n'était pas né dans une famille noble).

Deux ans après la mort de Seymour en 1818, Fleming – qui avait hérité de la fortune de Seymour – épousa une noble française, Ernestine Jeanne Marie de Houdetot (1796–1836). Leur fille épouse un patricien bernois, Dyonis Bernhard Friedrich von Graffenried (1815–1886), et le tableau arrive donc en Suisse, où il reste depuis dans la même famille. Le dernier souhait de John Lewis Fleming était d'être enterré aux côtés de sa première femme, Seymour Dorothy Fleming, au cimetière du Père Lachaise à Paris.

La table d’accouchée qui sera proposée à la vente lors de nos enchères du 24 septembre (lot 1050), appartenait à Adèle de Rothschild (1843–1922), membre d'une des familles les plus riches de l'histoire. La famille Rothschild, dont la richesse provenait de la banque et de la finance, était une famille de collectionneurs passionnés. Leurs préférences en matière de collection et leur style de décoration ont été connus dans la seconde moitié du XIXe siècle sous le nom du «goût Rothschild». Leurs maisons palatiales de style Renaissance, remplies de la plus belle sélection d'antiquités (principalement françaises), de bronzes dorés, de tapisseries lourdes et de boiseries sculptées, ont établi une nouvelle norme et ont été imitées par les générations suivantes de personnes fortunées telles que les Rockefeller, les Vanderbilt, les Dupont et les Getty.

À Paris, en 1862, Adèle de Rothschild épouse son cousin, Salomon de Rothschild (1835–1864), qui meurt d'une crise cardiaque deux ans plus tard. L'impétuosité et l'extravagance financière de Salomon causait souvent des difficultés au reste de sa famille, mais il était aussi un collectionneur dévoué et passionné, accumulant un nombre impressionnant de livres, de photographies, de peintures, de sculptures, d'arts décoratifs et d'art du Moyen-Orient de grande qualité, surtout pendant les deux années suivant son mariage avec Adèle. Après la mort de son mari, Adèle, âgée de vingt-et-un ans, a mené une existence quelque peu solitaire pendant le demi-siècle qui a suivi, bien que certains indices – notamment des dépenses importantes pour du cognac et des cigares – montrent qu'elle a continué à mener une vie sociale active et très sélective, au sein de sa résidence. Elle a soutenu les arts tout au long de sa vie, et a été l'un des premiers mécènes d'Alphonse Mucha, par exemple, en parrainant sa première visite aux États-Unis en 1904.

À partir de 1872, Adèle supervise la construction d'un grand hôtel particulier dans le quartier de la Plaine-Monceau à Paris, l'Hôtel Salomon de Rothschild, conçu pour abriter et exposer les collections de son défunt mari ainsi que celles de son père, Mayer Carl de Rothschild. La présente table faisait partie du somptueux décor de l'Hôtel Rothschild et est un exemple typique de la qualité des légendaires collections de meubles de la famille. La table d'accouchée est l'une des nombreuses formes de mobilier français inventées au milieu du XVIIIe siècle qui correspondaient à un changement, à l'époque de Louis XV, de la manière très exposée de vivre à Versailles sous le règne précédent vers des appartements plus intimes. La partie supérieure se soulève et est conçue pour être utilisée en position couchée dans le lit, comme lutrin, bureau ou plateau de repas.

Aujourd'hui, selon le souhait d'Adèle de Rothschild, l'Hôtel Salomon de Rothschild abrite une fondation dédiée aux artistes et aux arts, et une pièce a été soigneusement préservée et est ouverte au public, le Cabinet de curiosités. Contenant plus de 400 œuvres d'art, il est un excellent exemple du «goût Rothschild» et une fascinante capsule temporelle, témoin d'une époque où les collectionneurs fortunés pouvaient pleinement satisfaire leur passion pour les œuvres d'art extraordinaires.

Un tableau du "Siècle d'or"

La spécialiste de peinture de Maîtres Anciens, Karoline Weser, présente un paysage réalisé par Salomon van Ruysdael, un des artistes les plus importants du Siècle d’or hollandais.

Précision astronomique

Le mouvement méticuleux de cette fascinante pendule astronomique est révélé par Stephan Koller, spécialiste de Mobilier et Arts décoratifs.